MYA ROYAL è un atelier multidisciplinare indipendente che opera tra couture, stampa d’arte, tessile, ceramica, fotografia, installazione e progettazione culturale attraverso studi e collaborazioni sviluppati tra gli Stati Uniti e l’Italia. Nel corso degli anni, il lavoro si è evoluto attraverso una sequenza di ambienti differenti — studi sotterranei a Cambridge colmi di monotipie ad asciugare accanto a pile di libri e macchine da cucire, laboratori fiorentini attraversati dalla luce del tardo pomeriggio, atelier affacciati sui porti del New England e salotti aperti al pubblico nei quali abiti, opere, conversazioni e vita quotidiana hanno gradualmente iniziato a fondersi in un’unica atmosfera condivisa.

Più che separare moda e arte, oggetto e ambiente, produzione e vita vissuta, l’atelier si è sviluppato lentamente come un ecosistema interconnesso costruito attraverso anni di sperimentazione materiale e osservazione. Abiti, opere su carta, tessuti, ceramiche, fotografie, oggetti raccolti, prove, installazioni, schizzi e idee incompiute convivono spesso all’interno degli stessi spazi fisici. Un tavolo da lavoro coperto di carta da modello e fili può trovarsi accanto a inchiostri ancora umidi su monotipie appena stampate. Frammenti botanici raccolti durante una passeggiata riappaiono successivamente all’interno di tessuti stampati. La luce del porto attraversa le finestre dello studio e si posa su stoffa, carta, intonaco, legno, pigmento e pietra. Gli spazi stessi diventano parte del linguaggio dell’opera.

Le fondamenta di questo universo nascono attraverso gli studi iniziali di arte e stampa d’arte, in particolare attraverso la monotipia sviluppata durante anni di lavoro in studio tra Massachusetts, Vermont e Firenze. Stencil ritagliati a mano direttamente dai corpi dei modelli, da fiori, rami, foglie e forme organiche conservano vene, ombre e imperfezioni all’interno della superficie stampata stessa. Queste impressioni stratificate si sono gradualmente trasformate in un vocabolario visivo continuo che esplora memoria, movimento, trasformazione, fragilità e il rapporto tra il corpo e gli ambienti che abita.

Con l’evolversi degli atelier, il linguaggio della stampa ha iniziato ad assorbire simultaneamente architettura, costruzione tessile e moda. Inchiostro, carta, tessuto, fotografia e struttura dell’abito sono entrati progressivamente in dialogo tra loro. Le monotipie originali hanno iniziato lentamente a migrare dalla carta al tessuto attraverso fotografia, scansione, manipolazione digitale e processi di stampa tessile. Le collezioni sono emerse da questo continuo attraversamento delle discipline, permettendo a immagini nate manualmente nello studio di stampa di riapparire successivamente come abiti, superfici e ambienti indossabili.

Dopo gli studi universitari negli Stati Uniti, il lavoro si è ampliato attraverso il percorso di specializzazione in fashion design presso l’Accademia Italiana di Firenze. Qui, artigianato storico, architettura rinascimentale, botteghe artigiane e i ritmi della vita quotidiana fiorentina sono entrati profondamente nell’atmosfera dell’atelier. Vicoli in pietra, muri consumati dal tempo, laboratori di pelle, mercati, campane delle chiese, archivi tessili e la disciplina della costruzione sartoriale italiana hanno contribuito silenziosamente allo sviluppo del lavoro. Durante questi anni, atelier e boutique indipendenti hanno iniziato a prendere forma tra Firenze e il New England, funzionando contemporaneamente come laboratori, spazi espositivi, salotti culturali, archivi e ambienti creativi vissuti quotidianamente.

Nel tempo, il lavoro ha continuato ad espandersi attraverso collezioni couture, sperimentazioni tessili, mostre, collaborazioni editoriali, installazioni e iniziative culturali radicate nel territorio e nella comunità. Gli atelier di Cambridge, Firenze, Plymouth e Boston hanno contribuito ciascuno con differenti stratificazioni emotive e architettoniche all’evoluzione dello studio — dagli spazi sotterranei e intimi dei primi anni agli appartamenti fiorentini, fino agli atelier produttivi affacciati sul porto di Plymouth e ai salotti pubblici ospitati negli edifici storici culturali di Newbury Street.

Accanto alla couture, lo studio ha successivamente sviluppato iñi, una collezione realizzata su ordinazione che traduce opere originali, monotipie, studi cromatici e superfici tessili sperimentali in capi contemporanei pensati per il movimento e la vita quotidiana. Attraverso stampa sublimatica e processi tessili digitali, opere originariamente create attraverso il contatto diretto con inchiostro, pressione, pigmento e carta continuano ad evolversi in forme indossabili mantenendo il linguaggio visivo dell’atelier stesso.

Attraverso tutte le discipline, il lavoro rimane radicato nella lentezza, nella sensibilità materica, nell’osservazione e nella convinzione che la vita creativa sia inseparabile dagli ambienti attraverso i quali prende forma. Gli atelier continuano a esistere non semplicemente come spazi produttivi, ma come archivi viventi — luoghi nei quali abiti, immagini, oggetti, memoria e rituali quotidiani si accumulano lentamente nel tempo. L’inchiostro asciuga accanto ai tessuti. La carta si incurva vicino alle finestre aperte. La nebbia del porto attraversa i vetri dello studio. Le conversazioni continuano molto dopo la fine delle prove. Le collezioni emergono lentamente attraverso anni di osservazione, lavoro, raccolta e ritorno.

Il lavoro continua.